Revista de Ensino em Artes, Moda e Design
Revista de Artes, Moda y Diseño, vinculado a los programas de posgrado de la Udesc, UFC, UFRPE e UFPE e ABEPEM. ISSN: 2594-4630 Periodicidad: continua Año de creación: 2017
Universidade do Estado de Santa Catarina
Los autores mantienen los derechos de autor y conceden a la revista el derecho de primera publicación, con el trabajo simultáneamente licenciado bajo la Licencia CreativeCommonsAttribution 4.0 Internacional, que permite: 1. Compartir — copiar y redistribuir el material en cualquier formato o soporte para cualquier propósito, incluso comercial. 2. Adaptar — remezclar, transformar y crear a partir del material para cualquier propósito, incluso comercial. El licenciante no puede revocar estos derechos siempre que se respeten los términos de la licencia. Bajo los siguientes términos: 1. Atribución — Debe otorgarse el crédito adecuado, proporcionar un enlace a la licencia e indicar si se han realizado modificaciones. Esto debe hacerse en cualquier circunstancia razonable, pero sin sugerir que el licenciante aprueba el uso del material. 2. Sin restricciones adicionales — No se pueden aplicar términos legales ni medidas tecnológicas que restrinjan legalmente a otros hacer algo que la licencia permita. Plagio, en todas sus formas, constituye un comportamiento anti-ético de publicación y es inaceptable. Esta revista utiliza el software iThenticate de control de semejanza".
Derechos de autor 2026 Júlia Gomes Lessa https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/deed.pt
Una delicada absurdidad: enseñar y pensar en tiempos de crisis.
Editorial del Dossier: "Una delicada absurdidad: enseñanza, humor, creación y pensamiento complejo con/en Gianni Rodari y Edgar Morin", con un preámbulo sobre el tema, los pensadores analizados y resúmenes de las contribuciones publicadas.
Derechos de autor 2026 Mara Rúbia Sant Anna https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/deed.pt
Entre Moiras y Meandros: Procesos A/r/tográficos en la Educación Técnica
Este artículo presenta los desdoblamientos de una investigación basada en artes que examina la aplicación de la metodología A/r/tográfica en la enseñanza técnica de moda, articulando arte, investigación y docencia en una proposición pedagógica desarrollada con estudiantes del curso técnico en Estilismo y Coordinación de Moda de Senac Pindamonhangaba. El estudio tuvo como objetivo analizar de qué modo la A/r/tografía, en diálogo con la cartografía y con la noción de rizoma, puede favorecer prácticas formativas más sensibles, colaborativas y reflexivas. La investigación, de naturaleza cualitativa, deriva de un estudio más amplio, de enfoque cualitativo y cuantitativo, y, en el recorte aquí presentado, se concentró en una experiencia de investigación-acción realizada en tres encuentros de 3h30m, los días 14, 17 y 18 de junio de 2024, con la participación de 15 estudiantes, del profesor-investigador y de un profesional responsable del registro visual. Los instrumentos de producción de información incluyeron observación participante, diario de campo, registros fotográficos y audiovisuales, mapas rizomáticos, dibujos de línea continua, experimentaciones con fibras naturales, bordados, patronaje y montaje expositivo. El análisis consideró las conexiones producidas entre el viaje de campo a Grecia, repertorios visuales, mitología, prácticas textiles, creación colectiva y construcción del vestido-obra Luminosa Selene. Los resultados indican que la experiencia favoreció desplazamientos en la comprensión del proceso creativo, amplió la participación de las estudiantes en la construcción simbólica de la pieza y reposicionó al docente como artista, investigador y profesor. Así, el artículo contribuye a los debates sobre Investigación Educativa basada en Artes, A/r/tografía y enseñanza técnica de moda, evidenciando el bordado y el hilo como operadores materiales, narrativos y metodológicos de aprendizaje.
Derechos de autor 2026 Felipe Costa Souza; Juliana Marcondes Bussolotti https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/deed.pt
De la Gran Renuncia Masculina a la Revolución Juvenil: la construcción estética de la moda masculina entre los siglos XIX y XX
La indumentaria masculina posterior a la Revolución Francesa estuvo marcada por la austeridad de la sastrería inglesa, que pasó a orientar la estética burguesa desde el siglo XIX hasta la actualidad. Los hombres de los grandes centros urbanos de Europa, Brasil y Estados Unidos adoptaron el traje —conjunto formado por chaqueta, pantalón y chaleco— como síntesis visual de la Gran Renuncia Masculina. Incluso la elaborada imagen del dandi decimonónico reflejaba la sobriedad negra propia del período posterior a la Revolución Industrial. No obstante, tras la Segunda Guerra Mundial, diversos movimientos sociales y culturales condujeron a la emergencia de un nuevo perfil estético masculino. La expansión de los centros universitarios, el aumento del consumo de prêt-à-porterderivado de la consolidación de la clase media urbana y el fortalecimiento de los medios audiovisuales como influenciadores sociales dieron lugar a la figura del hombre joven, vestido con jeans y chaqueta, difundido a través de las imágenes de estrellas del cine y de la música ampliamente circuladas en revistas, radio y programas de televisión. Ante estos dos perfiles distintos —la sobriedad funcional del siglo XIX y la revolución juvenil del período de posguerra— este artículo propone un panorama visual y teórico que ordena la comprensión de las transformaciones socioeconómicas y culturales, facilitando la enseñanza y el aprendizaje de la historia de la moda masculina como discurso de la cultura visual y como herramienta creativa para el vestuario.
Derechos de autor 2026 Álamo Bandeira, Walter Franklin Marques Correia, Oriana Maria Duarte de Araújo https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/deed.pt
Este artículo, que presenta un estudio teórico, propone una reflexión sobre la urgencia de reconfigurar las relaciones humanas basadas en los principios de fraternidad y solidaridad, tomando como referencia el complejo pensamiento de Edgar Morin. En un contexto de crisis civilizatoria, marcado por la fragmentación, las desigualdades y las amenazas al futuro común de la humanidad, el autor nos invita a construir una fraternidad abierta que reconozca al otro en su alteridad y promueva la convivencia ética en la diversidad. La fraternidad tiene raíces biológicas y culturales y debe entenderse como una expresión profunda de la condición humana, presente en dinámicas de cooperación, mutualismo e interdependencia. La construcción de una fraternidad planetaria requiere superar los límites de las identidades cerradas y cultivar "oasis de esperanza", es decir, espacios de resistencia ética y social que promuevan la solidaridad y prácticas sostenibles, como las redes de ayuda mutua, la economía solidaria y las acciones comunitarias. La solidaridad no se limita al altruismo puntual, sino que constituye un principio estructurante de la vida colectiva y planetaria. Enraizada en la conciencia de una pertenencia compartida a la especie humana y a la Tierra, se necesita una ética capaz de superar el individualismo y promover una convivencia responsable, democrática y regenerativa. Así, el artículo concluye que los caminos fraternales y solidarios propuestos por Morin son fundamentales para la construcción de un nuevo paradigma civilizatorio, capaz de afrontar los desafíos globales con esperanza, conciencia y corresponsabilidad.
Derechos de autor 2026 Izabel Petraglia, Mariangelica Arone, Wilson Horvath https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/deed.pt
O olho e a mão: Experiência fenomenológica em práticas pedagógicas sobre retrato e autorretrato
Este artigo relata uma experiência pedagógica desenvolvida na unidade curricular Artes no Instituto Federal de Santa Catarina – Campus Tubarão, com turmas do primeiro ano dos cursos técnicos integrados em Administração e Automação Industrial, tendo como objetivo analisar, a partir do pensamento complexo, a fenomenologia do olhar aplicada às práticas de desenho de retrato e autorretrato, compreendida como campo de produção de sentido nos processos de autoralidade gráfica. A metodologia caracteriza-se pela natureza descritivo-interpretativa, articulando a cartografia (Sant'Anna, 2024) como princípio orientador da experiência, a partir do qual se estruturam quatro atos interdependentes: o primeiro, diante de si; o segundo, diante da herança; o terceiro, diante da montagem; e o quarto, diante da imagem complexa. No plano teórico, mobilizam-se a fenomenologia da percepção (Merleau-Ponty, 2018), a compreensão da imagem como acontecimento e sobrevivência (Didi-Huberman, 2013), a representação como produção de sentido (Hall, 2016) e o pensamento complexo (Morin, 2015), de modo a sustentar o desenho como campo relacional em que percepção, imagem e experiência se implicam mutuamente. Defende-se que a fenomenologia da percepção possibilita a formação estética e política dos estudantes, ao deslocar o desenho de uma lógica representacional para um campo de experiência sensível e crítica.
Derechos de autor 2026 Kellyn Batistela https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/deed.pt
Lapidarium: o Fazer Artístico de Hortência Moreira
Nesta entrevista, exploramos o processo criativo de Hortência Moreira, artista visual, que transforma o cotidiano urbano em obras carregadas de memória e identidade. A conversa revela como sua prática se desenvolve a partir da observação da cidade, da coleta de imagens e objetos, e da atenção aos materiais, ao tempo e às memórias que eles carregam. Hortência compartilha como suas séries surgem e se transformam, como revisita trabalhos anteriores sem repetição, e como seu olhar exploratório e recursivo estabelece um diálogo contínuo entre cidade, material e criação. A entrevista evidencia o compromisso da artista com o processo, em que planejamento, invenção e memória se entrelaçam para gerar descobertas e ampliar sua produção artística.
Derechos de autor 2026 Mara Rúbia Sant'Anna, Júlia Gomes Lessa, Vinicius Vicente https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/deed.pt
O Centro de Educação e Arte (CEA) e a contribuição de Fanny Abramovich para a Arte-Educação – entrevista com Rosa Iavelberg
Esta entrevista foi realizada no contexto de minha pesquisa de doutorado sobre a obra Gramática da Fantasia de Gianni Rodari. Durante a investigação do percurso editorial da obra no Brasil, identifiquei a atuação de Fanny Abramovich, organizadora da coleção em que o livro foi publicado, que ia além do campo editorial. Abramovich também se destacou no âmbito da arte-educação em São Paulo, dimensão de sua trajetória que até então eu desconhecia. Sua atuação demonstrava a promoção de práticas pedagógicas inovadoras, mostrando como a arte e a educação podiam se complementar. No desenvolvimento da pesquisa, especialmente durante o exame de qualificação, tomei conhecimento de que a arte-educadora Rosa Iavelberg havia sido aluna do curso de formação de professores do Centro de Educação e Arte de São Paulo, instituição carinhosamente chamada de Escolinha da Fanny. Essa descoberta despertou meu interesse em compreender de forma mais aprofundada o funcionamento desse espaço, que oferecia cursos de arte voltados para crianças, bem como programas de formação em arte destinados a professores. O centro se constituía como um importante laboratório de experimentação artística nas décadas de 1960 e 1970, promovendo metodologias inovadoras e reflexões sobre a prática docente. Motivada por esse contexto, solicitei uma entrevista com Rosa Iavelberg com o objetivo de registrar suas lembranças e percepções sobre a experiência como aluna da Escolinha da Fanny. A conversa buscou documentar aspectos do funcionamento do centro, das atividades e cursos desenvolvidos, bem como a contribuição de Fanny Abramovich para o campo das artes e da educação em São Paulo naquele período.
Derechos de autor 2026 Elisângela Freitas Mathias https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/deed.pt
Pensamiento complejo y pensamiento divergente: diálogo entre Morin y Rodari para la enseñanza de la literatura
Este artículo busca establecer una conexión entre los conceptos de Edgar Morin y Gianni Rodari, con el fin de reflexionar sobre la enseñanza de la escritura literaria en los primeros años de la escuela primaria. Ambos autores valoran la literatura: Morin (2005, 2011, 2015a) por defender la capacidad de la literatura para permitir a los seres humanos alcanzar el autoconocimiento, percibir su multidimensionalidad, comprender a los demás y reconocer la complejidad de las relaciones humanas y del mundo; Rodari (1982, 2000, 2009) por dedicarse a desarrollar técnicas, reflexiones y experiencias para acercar la literatura a los niños, a través del juego del desarrollo del lenguaje, la lógica, la estética, la creatividad, la imaginación y la fantasía. Algunos ejemplos de prácticas pedagógicas analizadas en este artículo demuestran la viabilidad, dentro de un entorno estimulante, de fomentar la expresión creativa de los niños, desafiándolos a proyectarse como autores, como seres pensantes, y preparándolos para la participación en la sociedad. Tejiendo prácticas pedagógicas a la luz de la complejidad y el juego creativo con textos literarios, este artículo propone la enseñanza de la literatura como experiencias que interrelacionan la lectura y la escritura.
Derechos de autor 2026 Elisa Maria Dalla-Bona, Danielle Mari Stapassoli, Maria Luciana Scucato Benato https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/deed.pt
Sistemas adaptativos para daltonismo: Proposta de um modelo de ajuste de cores e contrastes
Com estimativas de que o daltonismo afeta cerca de 8% dos homens e 0,5% das mulheres globalmente, a garantia da acessibilidade visual em interfaces digitais emerge como um desafio crucial, impactando significativamente a interação de milhões de pessoas. Essa condição compromete a usabilidade e a inclusão digital, sublinhando a necessidade de soluções mais adaptativas e intuitivas. Este artigo aborda essa lacuna, avaliando o potencial de sistemas adaptativos de cores e contrastes para aprimorar a acessibilidade digital para daltônicos, otimizando a interação humana com sistemas digitais sob a perspectiva da ergonomia. Para tanto, empregou-se uma metodologia qualitativa baseada em revisão de literatura e análise comparativa de soluções tecnológicas, incluindo instrumentos de simulação do daltonismo e a formulação teórica de um modelo adaptativo impulsionado por Inteligência Artificial (IA). Os resultados apontaram limitações nas ferramentas existentes quanto à personalização, adaptação em tempo real e identificação precisa do tipo de daltonismo. Em resposta, propõe-se um modelo teórico composto por um sistema de identificação do tipo e grau de daltonismo, algoritmos de ajuste dinâmico de cores e contrastes, e uma interface de usuário personalizável, visando superar essas restrições e oferecer uma solução mais completa e ajustável às necessidades individuais. A principal contribuição do artigo reside na proposição deste modelo adaptativo, que ao integrar precisão na identificação e personalização baseada em IA, otimiza a experiência visual e promove a inclusão digital. Este trabalho abre novas perspectivas para o desenvolvimento de interfaces mais equitativas, servindo como um referencial para o design acessível.
Derechos de autor 2026 Bruna Cordeiro Machado, Claudelino Martins Dias Junior https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/deed.pt
A lógica complexa de Gramática da Fantasia no ensino das Artes Visuais
O presente artigo desdobrará os conceitos de complexidade e razão aberta defendidos por Morin (2015) a fim de sustentar suas interlocuções ao pensamento fantástico de Gianni Rodari (1982) na intenção de promover o exercício de um pensamento complexo na análise do livro Gramática da Fantasia. Pois, situado na movimentação de migrações cognitivas entre os vários campos de conhecimento, o livro apresenta os procedimentos metodológicos do escritor italiano na promoção de uma educação multidimensional voltada ao sujeito e caracterizada pelo pensamento com e na complexidade. À essa dinâmica serão vislumbradas as intersecções teóricas que precedem processos de ensino e aprendizado em Artes Visuais que se pretendem abertos e processuais, cujo foco é tratar o sujeito aprendiz como aquele que dá sentido à sua própria aprendizagem.
La enseñanza del dibujo en tiempos de fragmentación de la atención: relaciones entre el dibujo, el tiempo, el cuerpo y el espacio
El artículo presenta reflexiones sobre la enseñanza del dibujo en tiempos de fragmentación de la atención y aceleración psíquica y productivista, tomando como referencias teóricas estudios de los campos de la enseñanza de las artes visuales, la filosofía y el psicoanálisis, caracterizándose por un enfoque interdisciplinario. A partir de este diálogo entre áreas, se elaboran reflexiones sobre las relaciones entre el dibujo y el gesto que humaniza, la sensibilidad del cuerpo, la atención contemplativa, la noción particular del tiempo y el espacio como parte del proceso de aprendizaje, la percepción del error en la construcción de la historia individual, posibilitando formas de conexión con el yo y el entorno a través del dibujo. Este estudio es de naturaleza cualitativa, exploratoria e interdisciplinaria, basado en una investigación bibliográfica, y da como resultado un ensayo teórico-reflexivo.
Derechos de autor 2026 Aline Firmiano, Anelise Zimmermann https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/deed.pt
Brasilvision como pedagogía de la fantasía y del desplazamiento simbólico en la enseñanza de lo Diseño de Moda
Este artículo analiza el proyecto pedagógico Brasilvision como un dispositivo de imaginación aplicada y desplazamiento simbólico en la enseñanza del Diseño de Moda. La propuesta consistió en el sorteo de estados brasileños para que grupos de estudiantes tradujeran la identidad territorial y el repertorio musical en vestuario y escenografía performática, inspirados en la lógica de un festival internacional. Fundamentado en los conceptos de juego y binomio fantástico de Gianni Rodari, el estudio comprende el azar como principio estructurante del proceso creativo, capaz de desplazar a los estudiantes de sus zonas de confort estético y cultural, generando tensiones productivas entre elementos heterogéneos. Metodológicamente, se trata de una investigación aplicada, de enfoque cualitativo y carácter exploratorio, basada en el análisis interpretativo de los procesos proyectuales, los paneles visuales, los cuadernos de bocetos y las maquetas y vestuarios desarrollados. Los resultados evidencian que el sorteo actuó como detonador pedagógico, transformando el extrañamiento inicial en investigación estética estructurada y en soluciones formales integradas entre cuerpo y espacio escénico. Se concluye que Brasilvision configura una pedagogía de la fantasía en la enseñanza de la moda, articulando juego, investigación cultural y traducción intersemiótica como fundamentos para un aprendizaje crítico e inventivo.
Derechos de autor 2026 Ítalo José de Medeiros Dantas, Adson de Lima Claudino, Marcelo Curth https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/deed.pt
Puntos, tipos y bucles: Desarrollo de Banderas Textiles en el tejido de punto
La falta de documentación técnica y pruebas de laboratorio en materiales textiles con potencial aplicación en productos de indumentaria sigue siendo un desafío para la industria de la confección. Por lo tanto, este artículo tuvo como objetivo desarrollar dos productos textiles insignia basados en el análisis técnico de tejidos de punto recolectados en la fábrica de Cianorte, Paraná, contribuyendo a la colección física y digital del Proyecto de Ampliación de la Tecidoteca. Las muestras de tejido de punto, una circular (media malla) y la otra recta (cinta), se sometieron a pruebas estandarizadas (ABNT e ISO), evaluando densidad, peso, encogimiento, pilling, tacto, elongación y elasticidad. Los resultados revelaron diferencias estructurales significativas entre los tejidos de punto; el tejido de punto recto presentó mayor elasticidad (95,23%) y resistencia al pilling (grado 5), mientras que el tejido de punto circular tuvo un peor desempeño (36,61% y grado 2, respectivamente). La investigación refuerza el vínculo entre docencia, investigación y extensión, valorando el conocimiento textil y fortaleciendo la formación crítica y aplicada de los futuros profesionales de la moda.
Derechos de autor 2026 Ronaldo Salvador Vasques, Natani Aparecida do Bem , Elaine Regina Brito Maia Mercial https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/deed.pt
Entre la tradición y la creación: reinterpretaciones del vestuario germánico en la formación en diseño de moda
Este trabajo tuvo como objetivo describir el proceso de creación, desarrollo y presentación de reinterpretaciones basadas en los trajes típicos utilizados por los grupos folclóricos germánicos de la región del Valle Medio de Itajaí, mediante la metodología de Aprendizaje Basado en Proyectos (ABP). El proyecto se desarrolló como parte de la tercera fase del curso de Diseño de Moda en UniSENAI - Centro Universitário Santa Catarina, campus Blumenau, y constó de cuatro etapas principales: inicialmente, se analizaron las piezas y se realizó un estudio histórico de las costumbres y tradiciones de los habitantes de las regiones de origen de las piezas estudiadas, seguido de la creación de las reinterpretaciones; en la segunda etapa, se llevó a cabo el proceso creativo, donde se aplicaron técnicas de creatividad bajo la supervisión de los profesores; tras la selección y el perfeccionamiento de las ideas, se eligió un boceto para la creación de prototipos; en la tercera etapa, se modelaron y confeccionaron las piezas; Finalmente. En la cuarta etapa, las reinterpretaciones se presentaron en forma de desfile de moda, posible gracias a la organización del evento TANZ, un festival de danza folclórica alemana, que tuvo lugar en Pomerode/SC el 25 de julio de 2024. Los resultados esperados de este estudio eran fomentar la ampliación del repertorio etnocultural de los estudiantes, la valoración y preservación de la historia regional, y consolidar el vínculo entre la academia y el universo cultural y artístico, fundamental para el desarrollo creativo de los futuros diseñadores. Cabe destacar, además, la aplicación efectiva del ABP (Aprendizaje Basado en Proyectos) en el proceso de enseñanza-aprendizaje en la educación superior, ya que este enfoque busca establecer una conexión entre la práctica y la teoría.
Derechos de autor 2026 Egéria Schaefer, Thaissa Schneider, Cristiani Maximiliano https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/deed.pt
Réimaginer la mode par l’extension: entre pédagogies critiques, musées et communautés
L’article analyse les pratiques d’extension universitaire développées à l’Université Feevale, articulant Mode, Design, musées et communautés, afin de montrer le rôle de la curricularisation de l’extension dans la formation académique et la transformation sociale. À partir de trois expériences — l’exposition Zuzu Angel au Musée National de la Chaussure, le projet Ré-imaginer est possible ? et le projet Da Rua Para’Nóia —, l’étude discute de la manière dont l’extension universitaire peut devenir un axe structurant de pédagogies critiques et décoloniales, replaçant le musée comme territoire pédagogique et la communauté comme coautrice du savoir. S’appuyant sur Paulo Freire, Orlando Fals Borda, Enrique Dussel et Arturo Escobar, la recherche conçoit l’extension comme une pratique poïétique et émancipatrice reliant enseignement, recherche et engagement social.
Derechos de autor 2026 Daniel Keller, Claudia Schemes, Letícia Vieira Braga da Rosa, Suelen Bomfim Nobre https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/deed.pt
La transformación del diseño de vestuario en Encantada (2007): Un estudio sobre el personaje de Giselle y la moda
Este artículo analiza la evolución de la figura de Giselle en la película Enchanted (2007), entendiendo la figura como elemento narrativo y lenguaje visual en la construcción del personaje. La investigación indaga cómo las transformaciones en la vestimenta acompañan el proceso de adaptación de la protagonista, quien proviene del mundo de los cuentos de hadas, al mundo real, articulando el cine y la moda. Como metodología, se adopta un enfoque que combina el análisis semiótico, el análisis fílmico y el análisis de imágenes de moda, aplicado a escenas seleccionadas de la película. El análisis identifica referencias a diferentes períodos de la historia de la moda, como la época victoriana, la Belle Époque, la moda de los años 50 y la década del 2000, mostrando que cada traje simboliza etapas de la maduración del personaje.
Letícia Gabryelle dos Santos de Vasconcelos
Derechos de autor 2026 Letícia Gabryelle dos Santos de Vasconcelos, Amilcar Bezerra https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/deed.pt
Planificación Circular y Extensión Social: Aplicación de la Metodología de Mitigación de Monstruos Híbridos en el Upcycling de Moda con el Instituto Criar Mujer
Este artículo presenta la aplicación práctica de la metodología Planificación Circular de Compatibilidad de Fibras y Avíos, desarrollada previamente como una estrategia para mitigar los llamados monstruos híbridos en los proyectos de upcycling de moda sostenible. La investigación se realizó con el grupo de mujeres del Instituto Criar Mulher, a través del taller Eco-Criativas, que utilizó uniformes de conductores de autobuses como materia prima para la experimentación y reconversión textil. Basada en los principios de la educación popular freireana, la acción de extensión propuso un diálogo entre saberes técnicos y experiencias de vida, promoviendo el aprendizaje colectivo, la autonomía y el protagonismo femenino. La metodología se aplicó en cinco etapas: diagnóstico de materiales, mapeo de compatibilidad, exploración creativa, documentación procesual y comunicación educativa, y dio como resultado la creación de prototipos que combinan circularidad, estética y conciencia ambiental. Los resultados indican que la integración entre diseño, extensión y pedagogía dialógica fortalece la moda como campo de transformación social y ambiental, consolidando la práctica del upcycling como instrumento de emancipación y ciudadanía.
Derechos de autor 2026 Breno Tenório Ramalho de Abreu, Rafaella Lacerda, Sandra Regina Martins de Oliveira https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/deed.pt
Fragmentos do cotidiano e da arte: Uma entrevista com Hortência Moreira
A entrevista com a artista visual e arquiteta Hortência Moreira revela uma trajetória conectada ao fazer artístico desde a infância. Hortência compartilha como cresceu em um ambiente criativo, dentro do ateliê de costura de sua mãe. Ao longo da conversa, ela reflete sobre a forma orgânica com que a arte se entrelaçou à sua vida pessoal e profissional, desde os primeiros desenhos e experimentações, e especializações na área de arte, até sua consolidação como artista no circuito das artes visuais. Ela narra suas experiências com concursos, exposições coletivas, salões de arte e sua primeira mostra individual, evidenciando uma construção contínua e comprometida com a linguagem artística. A entrevista revela, além do percurso profissional, o amadurecimento de uma artista que sempre esteve em movimento, buscando espaços de criação, pesquisa e inserção no cenário cultural. Essa artista foi escolhida para acompanhar os três dossiês de 2026 da Revista de Ensino em Artes, Moda e Design, sendo esta a primeira entrevista publicada, cuja temática é sua trajetória formativa. Obras de Hortência Moreira foram escolhidas pra contemplar cada uma das capas dos números publicados neste ano.
Derechos de autor 2026 Mara Rúbia Sant Anna, Júlia Gomes Lessa https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/deed.pt
A Carta Editorial apresenta o Dossiê Moda, Extensão e Gestão Educacional como fruto do amadurecimento do Grupo de Trabalho criado no Colóquio de Moda. Os textos reunidos evidenciam a extensão universitária como eixo fundamental da formação em moda e design, articulada a práticas pedagógicas críticas e socialmente comprometidas. O Dossiê reafirma o papel da universidade e dos eventos científicos na produção de conhecimento alinhado às demandas contemporâneas.
Derechos de autor 2026 Cyntia Tavares Marques de Queiroz, Juliana Bortholuzzi https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/deed.pt
Arquitectura, escenografía y moda autoral: un aprendizaje activo e interdisciplinario
El artículo presenta una experiencia pedagógica interdisciplinaria que integra arquitectura, escenografía y moda de autor en la asignatura de Arquitectura de Interiores para Escenografía de una universidad privada. La investigación, anclada en los conceptos de etnografía y autoetnografía, de carácter cualitativo, exploratorio y descriptivo, se fundamenta en el relato de experiencia de dos estudiantes, quienes reflexionan sobre la práctica pedagógica y las bases teóricas que orientaron la metodología de enseñanza y aprendizaje. La asignatura aplicó una enseñanza activa y centrada en el protagonismo del alumnado, inspirada en el pensamiento complejo y en la visión transdisciplinaria, iniciándose por la interdisciplinariedad como posible camino hacia la transdisciplinariedad. La metodología Módulos Dinámicos, basada en el Aprendizaje Basado en Proyectos, estructuró tres desafíos a lo largo del semestre: escenografía de cámara, de palco y de experiencia. Cada desafío incluyó estudio de casos, visitas técnicas, conferencias, desarrollo conceptual y proyectual, y presentaciones en diferentes técnicas, estimulando habilidades de comunicación y expresión. En el módulo de escenografía de cámara, las estudiantes relatan la experiencia de desarrollar espacios escenográficos para un talk show de moda de autor brasileña, idealizado por ellas, valorando narrativas locales, identidad cultural y una estética del “hazlo tú mismo”. El proceso implicó la definición del público objetivo, la planificación del guion, la creación de escenarios y la presentación mediante maquetas, panel 2 Traduzido por: Danielle Borges Misko Soler, Education: English Literature: Teaching and Translation Methodologies at PUCPR; ID Lattes: 6279608927832072; E-mail: danielle.soler.chella@gmail.com. semántico y video. El estudio evidencia la convergencia entre arquitectura, moda y escenografía como campo de experimentación estética y conceptual, demostrando que la metodología adoptada promueve autonomía, pensamiento crítico e interdisciplinariedad con miras a la transdisciplinariedad, preparando al estudiantado para desafíos reales de la práctica profesional mediante un enfoque sensible y culturalmente integrado.
Derechos de autor 2026 Juliana Fernandes Junges Cararo, Isabela Souza Altavini, Maria Clara Cavalca Machado https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/deed.pt
Acciones de Extensión en el Curso de Diseño de Moda: Oportunidades para el Mundo Laboral
El presente trabajo tiene como objetivo analizar las oportunidades que surgen a partir de las acciones de extensión en el curso de Diseño de Moda del Instituto Federal de Piauí, campus Piripiri. Teniendo como metodología el enfoque cualitativo, del tipo de investigación bibliográfica, documental y descriptiva. Para el estudio en cuestión, nos fundamentamos en Fontenele (2024), Imperatore (2018), Betta (2018), Ciavatta (2012), entre otros. A través de las experiencias vividas en los proyectos de extensión desarrollados en el curso de Diseño de Moda, desde su implementación hasta la actualidad, se fomenta la importancia del proceso formativo por medio del trípode: Enseñanza, Investigación y Extensión, culminando con la inclusión en el mundo laboral. Por lo tanto, el estudio en cuestión no puede darse por concluido, ya que existen posibilidades de profundización y nuevos debates en torno a la temática. No obstante, se pretende estimular las prácticas de extensión en la educación superior en Brasil como herramienta de transformación social.
Wanderson de Vasconcelos Rodrigues da Silva
Derechos de autor 2026 Sabrina Pereira dos Santos Américo, Sandra da Conceição Cunha, Wanderson de Vasconcelos Rodrigues da Silva https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/deed.pt
Modativismo: Cuando la moda se encuentra con la lucha
Esta reseña analiza el libro Modativismo: Cuando la moda se encuentra con la lucha, de Carol Barreto, publicado por la Editorial Paralela en 2024. La obra propone una reflexión sobre las relaciones entre moda, cuerpo y política, instaurando el concepto de “modativismo” como una epistemología de resistencia y un proyecto de reexistencia estética de las mujeres negras. Barreto concibe la moda como un territorio de lucha simbólica y pedagógica, en el cual el acto de vestirse se transforma en un gesto político y espiritual. La blancura académica y los paradigmas eurocéntricos que estructuran la enseñanza y la práctica de la moda son cuestionados por la autora a partir de una pedagogía decolonial basada en la ancestralidad, la colectividad y la creación como forma de pensamiento. Al integrar arte, activismo y enseñanza, Modativismo se consolida como una obra fundamental para comprender la moda como práctica crítica y campo de emancipación.
Derechos de autor 2026 Cristiany Soares dos Santos, Henrique de Souza Goulart , Aníbal Alexandre Campos Bonilla https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/deed.pt
Colonización y Enseñanza del Diseño en Brasil: investigación-acción y experiencias de decolonialidad en la enseñanza de la Moda
Este artículo presenta el recorrido y los resultados del proyecto de investigación Colonización y Enseñanza del Diseño en Brasil – un análisis del plan de estudios del curso de Diseño de Moda de la Universidad Federal de Ceará (UFC), desarrollado en el ámbito del NAÏF – Núcleo de Estudios en Arte, Innovación, Moda y Diseño. La investigación, de carácter cualitativo y naturaleza de investigación-acción, utilizó la metodología de las narrativas de formación como dispositivo de reflexión crítica sobre la enseñanza de la moda. El estudio buscó comprender cómo la colonialidad del saber se manifiesta en los planes de estudio de diseño de moda y proponer caminos decoloniales a partir de prácticas pedagógicas transformadoras. Entre los resultados se destacan la publicación del Decolonial Zine: Fashion and Decoloniality in Brazil, en colaboración con el Research Collective for Decoloniality and Fashion (Países Bajos), y la creación de la asignatura Moda y Activismo, que amplía el debate sobre diversidad, representatividad y epistemologías del Sur en el campo de la moda.
Derechos de autor 2026 Cyntia Tavares Marques de Queiroz, Michelle Medrado, Natalia Epaminondas https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/deed.pt
Creación por programas: Relatos de experiencias con la pedagogía de escenas performativas en Cariri de Paraíba
Este informe/artículo busca mostrar formas de pedagogía que entrelazan las prácticas escénicas con la danza y el teatro contemporáneos, en un contexto universitario y en talleres abiertos al público. Parte de la noción de un programa performativo, asociándolo con algunas concepciones y ejemplos de juego, como estrategia de enseñanza y creación. La metodología empleada es la investigación-acción y la práctica reflexiva, a través de relatos autobiográficos. Se espera contribuir a la enseñanza de las artes escénicas y visuales, partiendo de la experiencia con la performance.
Derechos de autor 2026 Manoel Moacir Rocha Farias Junior https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/deed.pt
Vestimenta, cultura negra y Movimiento de la Negritud: Datos etnográficos a la luz de la Semiótica Discursiva de la vergüenza y del orgullo
El presente artículo es fruto de una disertación de maestría más amplia que tuvo como objetivo comprender los sentidos del consumo de la vestimenta por el Movimiento de la Negritud. Para alcanzar este propósito, utilizamos teorías de la cultura material y realizamos una etnografía en los perfiles de Facebook de 64 personas negras comprometidas con la lucha antirracista y a favor de la valorización de la negritude. Como parte de los resultados, pudimos comprender que los datos etnográficos se categorizan en dos ejes narrativos estructurados según las teorías de la Semiótica Discursiva acerca de la vergüenza y el orgullo. Por un lado, los participantes comunican que la sociedad racista genera vergüenza en los negros por el uso de vestimenta asociada a la cultura negra, manipulándolos para rechazar, abandonar y ocultar dicha vestimenta. Por otro lado, los participantes muestran que resisten a esta manipulación en la medida en que pasan a identificarse con una imagen ideal (perfecta) del Negro y de la cultura africana del pasado de la África pre-colonización. El orgullo por esta imagen idealizada se manifiesta hoy mediante la adopción, mantenimiento y exposición de uma vestimenta que denominamos “vestimenta de orgullo por la cultura negra/africana idealizada”, el cual incluye: a) turbantes; b) vestidos con estampados étnicos africanos; c) batas, camisas y camisetas masculinas con estampados étnicos africanos; d) estampados étnicos africanos en la vestimenta en general; e) tejidos africanos producidos o importados de África; f) accesorios con referencia directa a África o a lo afro; g) vestiment con referencia a Egipto. Tal investigación es relevante para la construcción de un conocimiento más plural sobre la vestimenta, aportando un acervo numeroso de imágenes de ropas y accesorios usados por personas negras que tangencian su lucha contra el racismo y a favor de la negritude.
Derechos de autor 2026 Isaac Matheus Santos Batista, Marcelo Machado Martins, Maria Alice Vasconcelos Rocha https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/deed.pt
Derechos de autor 2026 Mara Rúbia Sant’Anna, Ivis de Aguiar Souza, Júlia Gomes Lessa https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/deed.pt
Cosiendo la Misión Pública: la Extensión en la Gestión del Diseño de Moda del IFB
El artículo analiza la extensión universitaria como eje estructurante de la formación, la gestión y la identidad institucional en el curso de Diseño de Moda del Instituto Federal de Brasília – Campus Taguatinga. La investigación, de carácter cualitativo y basada en un estudio de caso, examina cómo la extensión articula la enseñanza, la investigación y la comunidad, constituyéndose como una tecnología social de gestión y aprendizaje. A través del análisis de experiencias como Tessitura: Moda y Literatura; Costurando Talentos; Revista Avesso; Quem Vê Look, Não Vê Corre!; y Moda y Festivales, el estudio pone de relieve el papel de la extensión en la consolidación de una pedagogía dialógica y emancipadora, fundamentada en la comunicación freireana. Los resultados demuestran que la práctica extensionista fortalece el protagonismo estudiantil, amplía el diálogo con el territorio y consolida la moda como un campo de transformación social, cultural y educativa. Se concluye que la extensión, al tejer la enseñanza y la gestión, se convierte en el hilo conductor de la misión pública de la educación, reafirmando el compromiso ético, estético y político del Diseño de Moda con la diversidad, la sostenibilidad y el bien común.
Derechos de autor 2026 Francisco Nunes dos Reis Junior, Priscila Bosque, Suzana Curi Guerra https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/deed.pt
Investigación Basada en el Diseño en el proyecto de malla de tejido de espaciador para usuarios con genodermatosis
Este estudio propone una metodología basada en la Investigación en Ciencias del Diseño (Design Science Research, DSR) para sistematizar el desarrollo de ribs de punto de spacer (spacer weave fabrics) para aplicaciones biomédicas, con especial énfasis en indumentaria para pacientes con epidermólisis bullosa (EB) y otras genodermatosis. Los objetivos específicos incluyen facilitar la comprensión técnica de los diseñadores sobre el proceso de producción y contribuir a la enseñanza de estructuras textiles técnicas. La investigación adopta un enfoque aplicado y cualitativo, empleando el modelo DSR propuesto por Pimentel, Filippo y Santos (2020). Para la prototipación, se utilizaron software de diseño textil (Raynen) y telares rectilíneos electrónicos. Los prototipos de tejido de spacer se desarrollaron a partir de parámetros estructurales como la densidad, el paso de hilo, la tensión y el tipo de fibra. Se crearon dos estructuras: una felpa plana o jersey (muestra de control) y una derivada con poros y relieves superficiales para mejorar la permeabilidad y la comodidad. El enfoque DSR demostró ser eficaz para sistematizar el desarrollo de estas estructuras, fomentando la integración entre la teoría y la práctica. Asimismo, se subrayó la necesidad de incorporar herramientas visuales (como las simulaciones 3D) en la enseñanza del diseño textil para optimizar la comunicación entre diseñadores y técnicos.
Derechos de autor 2025 Ivis Aguiar Souza, Lais Kohan, Miguel Ângelo Fernandes Carvalho https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/deed.pt
El cineclub como alfabetización audiovisual en la escuela
El artículo presenta los resultados de una investigación cartográfica de campo realizada por la autora entre 2024 y 2025, basada en el cineclubismo y en la apropiación del enfoque triangular, enfatizando los ejes ver, disfrutar, discutir, analizar y crear como propuesta de alfabetización audiovisual en la enseñanza secundaria. El principio rector del proyecto cineclubista fue el uso de una curaduría cinematográfica ludovicense, contexto sociocultural en el que la investigación se inserta como instrumento de reconocimiento, identidad y pertenencia de los educandos, con el objetivo de promover un aprendizaje significativo y emancipador, en consonancia con los supuestos freireanos de una educación problematizadora y orientada al desarrollo de la conciencia crítica de la realidad social y política. El campo empírico de la investigación abarcó tres Centros Educa Mais (CEM) de la ciudad de São Luís do Maranhão, instituciones de enseñanza secundaria a tiempo completo. La investigación buscó responder a la siguiente pregunta: ¿de qué manera el cineclubismo puede configurarse como una propuesta viable para la alfabetización audiovisual en la enseñanza secundaria? Para ello, la investigación analizó tanto los referentes teórico-legales que sustentan la práctica docente en el campo de la educación audiovisual como los datos empíricos producidos durante la ejecución del proyecto Cineclube na Escola (Cineclub en la Escuela).
Derechos de autor 2026 Monica Rodrigues de Farias https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/deed.pt